Im Jahr 1986 Sigourney Weaver absolvierte seinen zweiten Ausländer Filme und kehrte auf die New Yorker Off-Broadway-Bühne zurück, um zu beweisen, dass sie Shakespeare kannte. Vor Ausländer, Sie erhielt eine Oscar-Nominierung.
Zu Shakespeare Der Kaufmann von Venedig, Sie hat diese Bewertung erhalten von New York Times: „Der Kaufmann von Venedig markiert Sigourney Weavers lokales Shakespeare-Debüt in der Rolle der Portia, und fairerweise muss man sagen, dass dies nicht Ms. Weavers bestes Dreivierteljahr ist … Gemeinsam scheinen Regisseur und Hauptdarsteller von Shakespeare desorientiert zu sein.“
Jeder, der an Weavers jüngstem Fiasko beteiligt war, hätte diese Warnung beherzigen sollen. Kurz vor Weihnachten trat Weaver als Prospero in Jamie Lloyds Neuproduktion von auf Der Sturm, Shakespeares spätes Stück über einen im Exil lebenden Herzog, der zum Zauberer wurde und seine Feinde foltert, nachdem er sie auf seiner einsamen Insel vernichtet hat, ihnen dann aber zu vergeben versucht. Weaver spielt die Rolle einer Frau in London Theater Royal Drury Lane. Wir versammelten uns mit Glamourati, um ihre große Eröffnung zu sehen, und fühlten uns wie das olympische Publikum, das Raygun, die känguruhhüpfende Breakdancerin, zum allerersten Mal sah. Aus Mal (Zwei Sterne; „Die allgegenwärtige Haushaltshilfe Alexa hätte den Zeilen mehr Leben einhauchen können“) zu ICH Zeitung: (One Star; „Wir sind Lichtjahre davon entfernt, dass an diesem Prospero etwas Magisches, Mystisches oder Magisterisches ist“), veröffentlichten die Kritiker eine Enthüllung.
Die einzige Ausnahme war Wächter’s Chef-Theaterkritiker, der eine Single anbot Vier-Sterne-Bewertung zur Inszenierung, schrieb aber über Weaver: „(Sie) ist keine meisterhafte Prospero: Ihr Versvortrag ist flach und charakterlos und hinterlässt eine Lücke in dieser Schlüsselrolle.“ Könnte dies die Inszenierung sein, die unseren Promi-Shakespeare-Wahn endgültig zunichte macht?
Filmstars haben sich immer an Shakespeare gewandt, um ihre Glaubwürdigkeit zu behaupten. Die Produzenten kommen diesem Wunsch gerne nach: Große Namen bedeuten Vorbestellungen, umso mehr, wenn es sich um einen Lehrplantext handelt. Theatreland braucht dieses Geld. Niemand in der Branche hat sich von dem fast ausgerotteten Ereignis Covid erholt, da selbst die stärksten Produzenten mit Schulden, rückläufigen Zuschauerzahlen aufgrund veränderter Theatergewohnheiten und steigenden Kosten zu kämpfen haben. Denken Sie darüber nach, wie Ihre eigene Stromrechnung in den letzten Jahren gestiegen ist, und überlegen Sie dann, wie viel Strom für die Beleuchtung eines Theaters benötigt wird. Diejenigen von uns, die gerne kritische Schimpftiraden austeilen, sollten dies im Hinterkopf behalten.
Um jedoch eine Zukunft zu haben, muss das Theater in die nächste Generation von Zuschauern investieren. Es bedeutet, Shakespeare zu inszenieren, das uns immer wieder zurückkommen lässt, um mehr zu erfahren. Der vielleicht vernichtendste Satz letzte Woche – und ich stimmte mit jeder Silbe zu – kam von der Kritikerin Fiona Mountford ICH: „Unverzeihlich, das ist Theater, wie diejenigen, die nicht hingehen, befürchten, dass es so sein wird.“
Es ist schön und gut, die Spieler einzuladen, um Lt. Ripley auf der Bühne zu sehen, aber wenn die Erfahrung sie lehrt, nie wieder ein Shakespeare-Stück zu versuchen, West End immer noch verlieren.
Es hilft nicht, dass Lloyd’s Scheiße nachlässt. Die Tricks des Regisseurs sind begrenzt: Engagieren Sie einen Prominenten, kleiden Sie ihn in schwarze oder graue Sportkleidung, verstärken Sie die Pop- oder Rockmusik, dimmen Sie das Licht und spielen Sie mit Mikrofonen. IN Der SturmLloyds Versuch des Minimalismus bedeutet, dass seine Schauspieler nicht einmal mit Requisiten ausgestattet sind, die für ihre Wendungen in der Handlung notwendig sind. Eine Gruppe von Idioten wird durch einen Kleiderschrank voller auffälliger Klamotten vom Verrat abgelenkt – aber das merkt man nicht, wenn man mit der Sprache zu kämpfen hat, denn die Charaktere sind darauf beschränkt, ihre Entdeckung der leeren Luft nachzuahmen. Vielleicht trägt dieser Kaiser, wie seine Schauspieler, keine Kleidung.
Unabhängig davon, wer der Regisseur ist, ist das Hauptproblem beim Stuntcasting die Herausforderung durch Shakespeares Sprache. Für Zuschauer und Schauspieler, die mit frühneuzeitlichen Versen nicht vertraut sind, kann ihre innere Logik undurchsichtig sein. Weaver kann auf eine beachtliche Erfolgsbilanz als Bühnenschauspieler in modernen Theaterstücken zurückblicken. Aber mit Shakespeare, der Beobachter‘s Kritiker Susannah Clapp hat geschickt geschrieben: „Sie ist flach: nicht nur unsicher in Bezug auf ihre Zeilen, sondern offenbar auch unsicher in Bezug darauf, was eine Zeile ist, und liefert Sätze, als würde sie Portionen auf einem Teller abmessen, ohne Rolle oder viel Fahrsinn.“ Weaver scheint nicht in der Lage zu sein, einen Gedanken oder Satz fortzusetzen, wenn er über die Grenze einer einzigen gescannten Zeile hinausgeht.
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Jeder kann eine Zeile vergessen. Oder, in Weavers Fall, den Großteil ihrer großartigen Erzählrede im ersten Akt, einer wesentlichen Erzählung, in der Prospero seine Hintergrundgeschichte erklärt. Das war der Hammer des Eröffnungsabends. Das Publikum zuckte zusammen, als Weaver in panisches Schweigen verfiel und sich schließlich beruhigend von Mara Hufs Miranda die Hand drücken musste. Man muss ihr zugute halten, dass Weaver es geschafft hat, weiterzumachen. Aber ihr Geplänkel offenbarte ein größeres Problem: Ohne angemessene Anleitung von Lloyd war dies eine Schauspielerin, die offensichtlich nicht verstand, was sie sagte, oder sich nicht damit identifizieren konnte. Es ist viel einfacher, den Platz zu verlieren, wenn man auf Autopilot geschaltet ist.
Das Debakel könnte auch eine Neubewertung des Internetzeitalters der Presseabende im West End erzwingen. Damals verfassten Kritiker ihre Kritiken meist als kollektive Aufzeichnung einer einzigen, prägenden Leistung.
Im Zeitalter digitaler Fristen ist es zunehmend üblich, dass Zeitungskritiker an einer der wenigen abschließenden „Pressevorschauen“ teilnehmen dürfen. Rezensionen werden also hochgeladen und können gelöscht werden, wenn ein Embargo unmittelbar nach der „Eröffnung“ der Gala aufgehoben wird. . voller fotogener Gäste. Es gibt Vor- und Nachteile. In diesem Fall war klar, dass wichtige Kritiker nicht da gewesen waren, um zu sehen, wie Weaver unter dem Druck des „Premierenabends“ zusammenbrach, obwohl die meisten anmerkten, dass sie in ihren Texten immer schwach war. Es fühlte sich an, als hätten sie die Geschichte verpasst.
Die größere Frage ist jedoch, wie viel Glaubwürdigkeit das West End bereit ist aufzugeben, um die Produktion von Filmstars am Laufen zu halten. Es gab schon immer große Namen mit den entsprechenden Bühnenkünsten. Tom Hiddleston, der in Lloyds nächster Produktion die Hauptrolle spielt, hat beides bereits sorgfältig und intellektuell interpretiert Coriolanus Und Weiler. Aber Sie können einen „prominenten Shakespeare“ erkennen, weil sie auf die sichtbare Präsenz ihrer Stars angewiesen sind und ihr Publikum ausnahmslos bevormunden.
Kenneth Branagh hat das meiste davon verwendet letztes Jahr König Learein Stück über einen Rentner, der den Verstand verliert, Oben ohne herumstampfend, mit Bauchmuskeln, die von kunstvollen Schlammlinien geformt sind. (Die Der New Yorker Dieser Film wurde Branaghs „sexy Wikinger“-Look genannt.) Alle Regisseure spielen mit Text, aber die schlechtesten Entscheidungen werden getroffen, um Promis ständig im Rampenlicht zu halten. Vor einem Jahrzehnt, Benedict Cumberbatchs Weiler Es gab Einführungsaufführungen (aber zum vollen Preis), die damit begannen, dass Hamlet auf der Bühne – statt durch das Exil ins Abseits gedrängt zu werden – seinen berühmten, auf T-Shirts gedruckten Monolog „Beten oder nicht beten“ hielt.. Wie ich damals sagte: „Stellen Sie sich eine Produktion von vor Turandot Es hat den Höhepunkt „Nessun Dorma“ in die Eröffnungsnummer verschoben, damit Post-Pavarotti-Fußballfans mitsingen können. Sie sitzt wie ein verwurzelter Busch hinter der Bühne und ist eine statische Präsenz, während der Rest der Besetzung sich um sie dreht.
Inzwischen ist Shakespeares Stück sowohl undurchsichtig als auch verdummt. Kurioserweise für einen Text, der heute als eine frühe Kritik des Kolonialismus gilt, löscht Lloyds Version die rassistischen Ausbrüche seiner bösartigsten Charaktere aus. Glaubt Lloyd, sein Publikum sei zu sensibel, um dem hässlichen Sebastian dabei zuzusehen, wie er vor Galle über die Heirat seiner Nichte „mit einem Afrikaner“ knurrt? Oder Matthew Horne, der in einer Aufführung, die so leuchtend ist, dass sie in eine bessere Produktion gehört, darüber gackert, wie man in England Geld verdienen kann, indem man die Leiche eines „toten Indianers“ zeigt? Dies ist eine Produktion, die ihrem eigenen Publikum nicht zutraut, ihre Ethik zu verstehen.
Realistisch gesehen wird das West End weiterhin Filmstars in oberflächlichen Shakespeare-Stücken besetzen, solange das Publikum weiterhin Tickets kauft. Die Tragödie ist, dass es so viele bessere Dinge gibt: Wenn Sie ein Stück wollen, das zum Nachdenken anregt, können Sie nichts Besseres tun als Blanche McIntyres meisterhafte Inszenierung von „ Die Erfindung der LiebeDarin spielt Simon Russell Beale den Klassiker AE Housman, hin- und hergerissen zwischen Liebesdichtung und griechischem Lernen. Russell Beale ist natürlich ein Experte für Shakespeare-Verse.
Dennoch braucht es keinen Simon Russell Beale, damit das Publikum eine Shakespeare-Inszenierung mit einem verbesserten Verständnis seiner Sprache verlässt. Es wäre ein Bonus, wenn auch Prominente etwas über den Text erfahren würden.
