EINS Seit dem letzten Mal ist viel passiert Asien und der Pazifik Triennale im Jahr 2021, als sie während der Covid-Grenzschließungen in Queensland stillschweigend eröffnet wurde. Zusätzlich zu einer globalen Pandemie gewann Trump eine zweite Amtszeit, zwei große Kriege sind ausgebrochen und der Klimawandel ist tiefgreifend, mit unzähligen extremen Wetterereignissen und gebrochenen Temperaturrekorden.
Daher ist es vielleicht keine Überraschung, dass auf der Ankündigungstafel der 11. Asien-Pazifik-Triennale der optimistische Slogan prangt: „Kunst, die Sie emporhebt“. Tut es das aber? Sollte es?
Die Triennale, jetzt geöffnet um Queensland Die Art Gallery und die Gallery of Modern Art (Qagoma) in Meanjin/Brisbane haben sicherlich eine positive Energie; Mit mehr als 500 Werken von rund 70 Einzelkünstlern und Kollektiven herrscht ein Gefühl des Wiederauflebens.
Es gibt auch Optimismus – aber es ist die ruhige Art. In der gesamten Ausstellung, die sich über beide Gebäude von Qagoma erstreckt, spürt man, wie Künstler sich nach innen wenden und „ihre Gärten pflegen“: Sie konzentrieren sich auf die Gemeinschaft, das Land und den Kosmos sowie auf die Verbindung und Fürsorge, die erforderlich sind, um diese zu pflegen. Die großen humanitären, ökologischen und politischen Krisen werden bei der Bewältigung meist eher angedeutet als zum Ausdruck gebracht.
Dieser Fokus auf Gemeinschaft und Fürsorge hat zu einigen sanften, fröhlichen Werken geführt – und sogar zu einem buchstäblichen Garten. Im Gebäude der Queensland Art Gallery werden Besucher im Foyer von einer Explosion aus Farben und Geometrie begrüßt, mit zwei eigens dafür errichteten Sammlungsräumen, die vom Papua-Neuguinea-Kollektiv Haus Yuriyal unter der Leitung des PNG-australischen Künstlers Yuriyal Eric Bridgeman gebaut wurden.
Im Zentrum ihrer Installation steht ein Informationsschreiben (Stand) vom Kollektiv gebaut und eingerichtet, wo am Eröffnungswochenende Aufführungen stattfinden werden. Um ihn herum befinden sich drei Phalanxen aus Licht Bakterien (Schild-)Design, bemalt und bestickt von den Männern des Kollektivs und inspiriert von traditionellen Kampfschilden ihrer Hochlandstämme. Es gibt auch eine Reihe farbenfroher, grafischer Wandteppiche von Alison Wel, ein greifbares Zeichen dafür, wie sich das ursprünglich ausschließlich aus Männern bestehende Kollektiv um Frauen erweitert hat. Etwas außerhalb, im Skulpturenhof der Galerie, befindet sich ein Garten mit Mais, Zuckerrohr und Bananen, der von Bridgemans Mutter Veronica Gikope angelegt wurde und am Eröffnungswochenende Essen aus der Ernte zubereiten wird.
Das Projekt von Haus Yuriyal ist geprägt von Großzügigkeit, Freude und Gastfreundschaft: Es sind Werke, die den Betrachter dazu einladen, Kontakte zu knüpfen. Bei der Arbeit des Kollektivs geht es jedoch im Wesentlichen um die Selbstentwicklung; Haus Yuriyal begann als eine Gruppe von Männern, die begierig waren, zu lernen und Wissen zu teilen, und die sich um Bridgeman versammelten, als er vor etwa einem Jahrzehnt begann, in seine Heimat in der Provinz Jiwaka zurückzukehren.
Der Beitrag von Haus Yuriyal ist eines von unzähligen Projekten der Triennale, die aus kollektiver kultureller Praxis entstanden sind. Um die Ecke steht eine riesige gewebte Matte, die von Tongas Lepamahanga-Frauengruppe aus dem Dorf Tu’anuku in Vava’u, Tonga, unter der Leitung des erfahrenen Künstlers und Kulturschaffenden „Aunofo Havea Funaki“ geschaffen wurde. Der Teppich ist wunderschön und seine Handwerkskunst atemberaubend, aber wie das Projekt von Haus Yuriyal stellt er einen Akt der Sorgfalt und kulturellen Weitergabe dar. Die Bewohner des Dorfes Tu’anuku sind Hüter des Ano-Sees, Tongas größtem Süßwasserökosystem, zu dessen Pflege die regelmäßige Ernte von Kuta (chinesische Wasserkastanie) gehört, aus der die Frauen Matten weben. Funaki, die im Dorf geboren wurde, betrachtete das Projekt nicht nur als Kunstwerk, sondern auch als eine Möglichkeit, den Austausch von Geschichten und Wissen zwischen Frauen zu fördern.
Gegenüber der Matte der Lepamahanga-Frauengruppe befindet sich der einzige indirekte Hinweis der Ausstellung auf den Krieg in Gaza: ein Mosaik aus Kacheln, die von der palästinensisch-saudischen Künstlerin Dana Awartani aus der heiligen Geometrie des Islam stammen. Die Fliesen bestehen aus Adobe-Ton, der in Awartanis Heimatgebieten endemisch ist, und wurden ohne das übliche Bindemittel zusammengefügt. Sie weisen Risse auf, die auf den Verlust des kulturellen Erbes durch den Krieg hinweisen.
Der Krieg in der Ukraine wird derweil noch sanfter dargestellt: In einer Reihe von Porträts und Stadtansichten, die Hongkong unter Covid zeigen und vom leitenden Maler Yeung Tong Lung angefertigt wurden, ist ein Gemälde eines zerstörten Wohnhauses in der Ukraine zu sehen, das von einem Nachrichtenfoto kopiert wurde . Wenn der leitende Kurator von APT, Tarun Nagesh, nicht darauf hingewiesen hätte, hätte ich nicht gewusst, was ich da sah. „Er erkennt, dass auch Hongkong ein Teil der Welt ist und von dem, was in der Welt passiert, beeinflusst wird“, erzählt mir Nagesh.
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Künstler reagieren oft langsam und sensibel auf aktuelle Krisen, sagt Nagesh. „Man bekommt wirklich interessante Antworten von Künstlern, aber nicht immer sofort und manchmal sind sie subtil.“
Carla DickensEin Künstler und Umweltaktivist mit Wiradjuri-, irischem und deutschem Erbe drückt in einer Reihe von „Totempfählen“, die aus geborgenen Plastikkugeln hergestellt wurden, eindringlich die Spannung zwischen dem Wunsch zu handeln und zu reparieren und dem Gefühl der Überwältigung durch das Ausmaß des Schadens aus , gebunden mit Bast und Segelschnur (Beizen des Titels „Keeping it together“). Diese sind Teil ihrer maximalistischen Installation As Above, So Below, die auch eine Reihe multimedialer „Collage“-Arbeiten umfasst, in denen sie sich mit typischer Offenheit und Witz mit den miteinander verflochtenen Kräften von Kolonisierung und Umweltzerstörung auseinandersetzt.
Der aus Aotearoa/Neuseeland stammende Māori-Künstler Brett Graham bezieht sich in einer Reihe dramatischer, monumentaler Werke in der Gallery of Modern Art, die verschlüsselte Verweise auf Kriege zwischen europäischen Kolonisten und dem britischen Militär sowie Māori-iwi (Stämmen) im 19. Jahrhundert enthalten, indirekter auf ähnliche Themen. . Mit Ausnahme einer Panoramaarbeit mit bewegten Bildern an der Atriumwand, die explizit die Rohstoffindustrie auf den Taranaki-Iwi-Ländern zeigt, geben die Arbeiten ihren Gegenstand nicht bekannt – dieser muss dem Wandtext entnommen werden.
Auch die atemberaubende Deckeninstallation der australischen Südseeinselkünstlerin Jasmine Togo-Brisby im Obergeschoss, die an den Rumpf eines Sklavenschiffs aus dem 19. Jahrhundert erinnert, ist voller verschlüsselter Hinweise auf die Geschichte der Sklaverei in Australien und die Erfahrungen ihrer Familie: Ihre Großmutter wurde als Kind aus Vanuatu entführt und nach Sydney gebracht, wo sie von einer wohlhabenden Industriellenfamilie „erworben“ wurde, um als Hausangestellte zu arbeiten.
Bei diesen und unzähligen anderen Werken muss sich der Betrachter (manchmal im wahrsten Sinne des Wortes) vorbeugen, um entscheidende Details zu sehen und zu verstehen. Bei APT ist die Arbeit sowohl für das Publikum als auch für die Darsteller ruhig und bedächtig, es geht vor allem ums Zuhören und Anlehnen. Es gibt Momente der Schönheit und Freude – und ja, sogar der Erbauung –, aber ihre tiefere Bedeutung liegt darin, ein Gefühl der Fürsorge zu vermitteln. Wir alle müssen unsere Gärten anbauen.
