Zur Verteidigung der Kritik: Ein Theaterkritiker fragt, was es in einer verkehrten Welt nützt

Warum sollte jemand Kritiker werden wollen? Wie ich bereits zugegeben habe, war es in meinem Fall kein Wunsch, sondern eine Reihe von Zufällen, die im Nachhinein unausweichlich erscheinen.

Als ich jung war, waren die sichtbarsten Kritiker diejenigen, die im Fernsehen auftraten, wie Rex Reed, Gene Siskel und Roger Ebert, und lokale Sender wie Stewart Klein von Channel 5 in New York. John Simon passte so gut in die bissige Liste, dass er sogar in einer Episode von „The Odd Couple“ auftrat, neben dem eher Gentleman-Beispiel des Theaterkritikers der Los Angeles Times, Daniel Sullivan. Statler und Waldorf aus „The Muppet Show“ machten dyspeptischen Kritikern einen langen Witz.

Während meiner Teenagerjahre habe ich nie auf den Fernseher gezeigt und gesagt: „Mama und Papa, das möchte ich sein, wenn ich groß bin.“ » Sie fanden mich schon seltsam genug. Warum assoziieren Sie exzentrischen Ehrgeiz mit ihrem Image?

Der Theaterkritiker ist keine Berufskategorie wie die eines Arztes, Lehrers, Feuerwehrmanns oder Astronauten, die sich junge Menschen vorstellen. Heute, wo Zeitungen und Zeitschriften vom Aussterben bedroht sind, frage ich mich, ob irgendjemand unter 40 weiß, dass es eine Zeit gab, in der Kritiker das Medienuniversum wie Riesen eroberten und mit der rücksichtslosen Autorität von Richtern des Obersten Gerichtshofs kulturelle Urteile fällten.

Die Rolle des Trendsetters ist leider zu der des Influencers geworden, bei dem die Hauptqualifikation nicht das ästhetische Urteil, sondern die Größe des eigenen Publikums in den sozialen Medien ist. Für einen Kritiker ist Verzweiflung eine Selbstverständlichkeit, aber ich erlebte kürzlich einen unerwarteten Anflug von Optimismus, als ich gebeten wurde, an einer Podiumsdiskussion teilzunehmen, die von Critical Insight veranstaltet wurde, einem Schreibstipendienprogramm des Pittsburgh Public Theater und der Zeitschrift American Theatre, das etablierte und aufstrebende Kritiker zusammenbringt Stimmen im Bereich des Schreibens. dem Bereich des künstlerischen Journalismus.

Eine der Fragen, über die ich im Vorfeld nachdenken sollte, war, wie ich meine Kritik mir selbst, meinen Redakteuren und meinen Lesern gegenüber rechtfertigen kann. Die Podiumsdiskussion, bei der ich mit dem Theaterkritiker Naveen Kumar von der Washington Post zusammenkam, fand zwei Wochen nach der Präsidentschaftswahl statt, die mein Vertrauen in jede Vorstellung von kollektiven Werten erschütterte. Ich möchte mich jetzt nicht mit der Politik befassen. Ich bin erschöpft. Doch das Gespräch mit inspirierenden Journalistenkollegen fand zu einer Zeit statt, als ich selbst die Gründe meiner beruflichen Existenz rekonstruieren musste.

Es könnte die Leute überraschen, zu erfahren, dass ich nicht Theaterkritiker geworden bin, weil ich die Massen mit meinem Geschmack dominieren wollte. Wissen war noch nie eine Motivation. Ich wurde kritisiert, weil ich Schriftstellerin werden wollte und praktische Möglichkeiten brauchte, um meinen Lebensunterhalt zu bestreiten.

Ein Leben als Schriftsteller basierte auf der Hoffnung, dass ich auf mich allein gestellt sein könnte. (Ich war zu naiv, um zu verstehen, dass Geld eine Voraussetzung für Freiheit ist.) Es führte mich auch dazu, mich mit den Künstlern auseinanderzusetzen, die diesen Traum überhaupt erst inspiriert hatten.

Shakespeare, Ibsen, Tschechow, Beckett, die antiken griechischen Tragiker und Tennessee Williams gehörten zu den Stimmen, die mich zunächst ansprachen. Im Gegensatz zu den Romanautoren, die ich in meinen prägenden Jahren eifrig gelesen habe, luden diese Dramatiker Schauspieler ein, ihren Worten Körper und Stimme zu verleihen. Es war die kombinierte Kraft von Literatur und Schauspiel und insbesondere die Art und Weise, wie private Erfahrungen in ein öffentliches Forum umgewandelt werden können, die mich dazu inspirierten, Theater als Hauptthema meines Schreibens zu betrachten.

Mein Eintauchen in diese Kunstform hatte einen unerwarteten Segen. Das Theater hat mich das Denken gelehrt. Und dieser Vorteil stand für mich im Vordergrund, als ich dem Gremium erklärte, wie ich die Praxis der Kritik mir selbst und meinen Lesern gegenüber rechtfertigte.

Als Theaterkritiker fühle ich mich Teil einer Tradition, zu der nicht nur berühmte Kritiker der Vergangenheit, sondern auch Dramatiker, Regisseure, Schauspieler und Bühnenbildner gehören. Ich mache keine Trennung zwischen dem Kritischen und dem Künstlerischen, vor allem deshalb, weil die Kritiker, die mich am meisten gelehrt haben, diejenigen sind, die, nachdem sie die Lektionen des großen dramatischen Schreibens in sich aufgenommen hatten, in der Lage waren, die beständigsten Werte des Theaters zu artikulieren.

Die besten Kritiker legen dem von ihnen rezensierten Werk keine willkürlichen oder subjektiven Maßstäbe auf, sondern versuchen, das betreffende Theaterstück, Musical oder die jeweilige Aufführung mit Präzedenzfällen in Verbindung zu bringen, die sich über die Zeit bewährt haben.

Kritiker mögen Eric Bentley, Richard GilmanKenneth Tynan, George Jean Nathan, George Bernard Shaw und William Hazlitt schöpften ihre Maßstäbe aus dem Besten, was im Laufe der Jahrhunderte auf der Bühne zu sehen war. Sogar Aristoteles, von dem man sagen könnte, er sei ein Pionier der Literaturkritik gewesen, formulierte die Grundsätze der Tragödie, indem er die unauslöschlichen Beispiele von Aischylos, Sophokles und Euripides empirisch untersuchte.

Was sind diese geheimnisvollen Werte, die meinen Weg zum Theater geleitet haben? Bevor das Panel begann, schrieb ich eine Liste von Prinzipien auf, die mein kritisches Gespür geprägt haben. Es handelt sich um eine Reihe intuitiver Kriterien, die ich noch nie aufgezählt hätte, die aber nicht nur die Grundlage dafür bilden, wie ich Theaterwerke beurteile, sondern auch dafür, wie ich mich in der Welt zurechtfinde.

1. Eine Skepsis gegenüber vorgefassten Meinungen, die auf einem Misstrauen gegenüber Klischees und Stereotypen beruht. Der Handel mit Allgemeingültigkeiten führt selten zu einer universellen Wahrheit. Das Theater erkennt das aufschlussreiche Potenzial jedes einzelnen Falles.

2. Eine Weigerung, die Welt schematisch zu sehen. Vereinfachte Binärdateien könnten zu einem kraftvollen Melodrama führen, in dem die Welt in Gut und Böse geteilt ist. Aber große Dramatiker erkennen an, dass unser Leben größtenteils in Grauzonen verläuft und dass keine Ideologie unsere widersprüchliche Menschlichkeit eindämmen kann.

3. Verstehen Sie, dass unsere wichtigsten Handlungen größtenteils überbestimmt sind, das heißt, dass sie nicht auf eine einzige Motivation reduziert werden können. Menschen sind keine mathematischen Probleme mit endgültigen Lösungen. Jeder von uns ist auf seine Art ein Hamlet, der gezwungen ist, über seine eigene frustrierende Undurchsichtigkeit nachzudenken.

4. Die Fähigkeit, zwischen Sentimentalität und Gefühl zu unterscheiden. Wir sind emotionale Tiere und weit weniger rational, als wir zugeben möchten. Aber Emotionen in der Kunst werden verdient. Tränen können manipuliert werden, aber tiefe Gefühle betreffen sowohl das Herz als auch den Kopf.

5. Eine Wertschätzung des Theaters als dialektische Kunstform, die Perspektiven kollidiert. Der Konflikt zwischen Gut und Böse ist, wie Hegel verstand, weitaus weniger zwingend als der Zusammenstoß von Lagern mit konkurrierenden Legitimitätsansprüchen. Großes Drama führt uns in die Komplexität ein. Es stärkt unsere Fähigkeit zu dem, was Keats „negative Kapazität“ nennt, eine Toleranz dafür, „in Unsicherheiten, Geheimnissen und Zweifeln zu sein, ohne irritiert nach Fakten und Gründen zu suchen“.

Einige von uns gehen vielleicht ins Theater in der Hoffnung, eine Entscheidung zu einem aktuellen Thema zu treffen. Aber die Wahrheit ist, dass wir Theater brauchen, um uns das Denken beizubringen, um uns für Mehrdeutigkeiten zu öffnen und uns an die Grenzen dessen zu erinnern, was wir wissen können. Der Inhalt meiner Gedanken ändert sich mit der Zeit, aber mein Denkmuster wurde immer von Dramatikern geprägt, die weitaus weiser waren als ich.

Als Kritiker betrachte ich mich als Lehrer und gleichzeitig als ewigen Schüler. Was ich dem Gremium vermitteln wollte, war meine Überzeugung, dass Kritik eher eine Praxis als eine Identität ist. Ein professioneller Theaterkritiker zu sein ist ein großes Privileg, aber es ist die kritische Sensibilität, die ich in einer Zeit immer militanterer Dogmen am meisten bewahren möchte.

Technologie hat unsere Welt auf unzählige Arten verbessert, aber sie hat auch unsere Aufmerksamkeitsspanne verkürzt, unsere Lesefähigkeit verschlechtert, unsere Herdenneigung gefördert und unsere Fähigkeit beeinträchtigt, mit uns selbst zu streiten. Das reiche intellektuelle Erbe des Theaters dient als Puffer gegen die immer wiederkehrende Dummheit der Gesellschaft. Die Verteidigung dieses Erbes scheint für einen Kritiker eine wichtigere Rolle zu sein, als als Reiseleiter für kommerzielle Unterhaltungsveranstaltungen zu fungieren. Das Überleben unserer Demokratie hängt von der Wiederherstellung unseres kritischen Geistes ab.

In der Vergangenheit habe ich mich bei meiner Kritik auf das Theater als Übungsfeld für Empathie konzentriert, aber ich bin vorsichtig geworden, diesen Vorteil auszunutzen. Ich weiß, dass Theater unsere Fähigkeit zur Empathie stärkt, aber diese Muskeln müssen auf eine Weise trainiert werden, die unsere Nischenkultur nicht mehr fördert. Es reicht nicht aus, sich mit Charakteren wie uns zu identifizieren. Wir müssen Möglichkeiten finden, uns mit Charakteren zu identifizieren, die sich stark von unseren gelebten Erfahrungen unterscheiden.

Theater ist nach wie vor die beste Universität, die ich je besucht habe. Aber wie bei jeder guten Ausbildung liegt es an uns, die Arbeit zu erledigen.