(Jorge Arevalo / Für die Zeit)
Im vergangenen Jahr haben die Marketingabteilungen der Studios offenbar große Anstrengungen unternommen, um die musikalischen Elemente ihrer Filme (wir meinen Sie, „Mean Girls“ und „Wonka“) zu verbergen. Daher ist es ziemlich erfrischend, dass in dieser Preisverleihungssaison vier neue und stolze Ergänzungen des Genres ihre Spuren hinterlassen werden. Michael Gracey, der das Mundpropaganda-Wunderwerk „The Greatest Showman“ inszenierte, versteht die anhaltende Attraktivität von Musicals für Filmemacher.
„Ich sage immer singen, wenn Worte nicht ausreichen“, sagt Gracey. „Sie möchten, dass die Szene Sie emotional zum Höhepunkt bringt. Und wenn man diese Freude oder Euphorie nicht anders ausdrücken kann, fängt man an zu singen. Das Gleiche gilt auch andersherum. Man stürzt sich in die Tiefen der Verzweiflung, und in diesem Moment des Schmerzes und der Angst ist Singen die einzige Möglichkeit, das auszudrücken, was man fühlt.
Der australische Regisseur etabliert sich mit seinem neuesten Projekt „Better Man“ als wahrer Meister der Musicalnummer. Der Film konzentriert sich auf das Leben von Robbie Williams und unterscheidet sich von den jüngsten Biografien dadurch, dass der globale Popstar mittels CG-Motion-Capture in Form eines Affen dargestellt wird. Es ist eine mutige kreative Entscheidung, die die Erzählung auf ein höheres Niveau bringt, aber es ist nicht einmal der schwierigste Aspekt bei der Herstellung des Films. Dies geschah, als Königin Elizabeth II. starb, gerade als die Dreharbeiten für eine unglaubliche Nummer in der Regent Street in London beginnen sollten.
„Wir mussten neues Geld finden, um in diese Musiknummer zu investieren, weil wir auf die Beerdigung warten mussten“, sagt Gracey. „Es dauerte weitere fünf Monate, bis wir in diese Straße zurückkehrten. Und natürlich gab es diejenigen, die sagten: „Hör auf damit, du brauchst es nicht.“ Und Sie sagen: „Nein, nein, nein. Du verstehst es nicht. Aber das ist doch bei allen Regisseuren so, oder? Jeder Regisseur glaubt, dass jede seiner Sequenzen die entscheidende Sequenz des Films ist.
Für Jacques Audiard, sein Erfolg oder Misserfolg für den Cannes-Gewinner „Émilie Pérez“ war die erste Szene des Films. In dieser Nummer „El Alegato“ beginnt Rita, gespielt von Zoe Saldaña, zu singen, während sie durch die Straßen von Mexiko-Stadt geht. Im Gespräch mit einem Dolmetscher gibt der berühmte französische Autor, der noch nie ein Musical gemacht hat, zu: „Natürlich war ich nervös.
„Wenn ich die Wahl habe, beginne ich meine Aufnahmen gerne mit der kompliziertesten Szene“, erklärt Audiard. „Als wir mit dieser Marktszene begannen, konnten wir herausfinden, wo wir stehen. Und die Dreharbeiten in diesem Sinne haben uns auch in Bezug auf Ton und Licht darüber informiert, dass etwas sehr Wichtiges umgesetzt werden musste, nämlich dass der gesamte Anfang des Films nachts gedreht wird.
Audiard spielt mit der filmischen Form und entführt seine Charaktere oft mitten in einem Lied aus der realen Welt. Dies ist in „Bienvenida“ mit Jessi, gespielt von Selena Gomez, bemerkenswert. Audiard erklärt: „Es gab zwei Realitätsebenen. Da ist Jessi in ihrem Zimmer und dann gehen wir plötzlich woanders hin. Der Name, den wir für diese Sequenz hatten, war Dark Ideas, also Jessis dunkle Ideen. Wenn man dieses Mädchen zum Reden bringt, dringt es plötzlich in ihr Unterbewusstsein ein, und ihr Unterbewusstsein ist wild und wütend.
Joshua Oppenheimer, Oscar-Nominierter für seine Dokumentarfilme „Der Akt des Tötens“ und „The Look of Silence“ trafen die ungewöhnliche Entscheidung, ihren ersten narrativen Spielfilm zu einem Original-Musical zu machen. In „The End“ spielen die Charaktere in einer postapokalyptischen Welt, in der eine wohlhabende Familie in einem versteckten Bunker überlebt, ihre inneren Gefühle durch Lieder zum Ausdruck. Aber Oppenheimer traf bestimmte Entscheidungen. Anders als bei „Better Man“ oder „Emilia Pérez“ gibt es im Kontext der Szenen keine Ersatztänzer oder visuelle Effekte. Schauspieler wie Tilda Swinton und George McKay tragen diese Nummern selbst.
„Ich wusste, dass ich diese Art von Post-MTV-Schnellschnitt (Ästhetik) vermeiden würde. Ich wollte in das goldene Zeitalter der längeren Einstellungen zurückkehren“, sagt Oppenheimer. „Im Grunde handelt es sich bei den Songs um Einzelaufnahmen, es sei denn, es kommt zu einem Ortswechsel, mit dem ich nicht gerechnet habe. Auch wenn es noch kein Tanz ist, ist es dennoch choreografiert, weil alles, was passiert, einen musikalischen Rhythmus hat.
Ein Großteil der Choreografie wurde am Set erfunden, oft in einem echten Salzbergwerk. Für eine von McKays Hauptfiguren war ein Mann in Form eines aufblasbaren Windsacks, der am Straßenrand für ein Unternehmen wirbt, eine unerwartete Inspiration.
„Sie kollabieren plötzlich, dann schwellen sie plötzlich an und kollabieren – das war sozusagen die Grundlage der Choreografie“, erinnert sich Oppenheimer. „Wir haben diese Zusammenbrüche oder Deflationen dann auf die Momente abgestimmt, in denen die Wahrheit die Blase des Sohnes zum Platzen bringt, das sind Momente der Erkenntnis. Es ist die Erkenntnis, dass alles, was er von seinen Eltern gelernt hat, eine Lüge ist.
Im Gegensatz zu seinen Kollegen John M. Chu hatte eine ganz andere Herausforderung. Seine Aufgabe war es, das beliebte Broadway-Musical „Wicked“ für die große Leinwand zu adaptieren. Aber wie er anmerkt, ist es „das größte Geschenk, das ein Filmemacher haben kann“, wenn man an einem ikonischen Song wie „Defying Gravity“ arbeiten muss.
Chu sagt: „Sie haben ‚Defying Gravity‘ als Abschluss, wie ‚Awesome, cool‘.“ Aber auf seltsame Weise ist es so prekär, die Flugweite und die Intimität der Worte zu haben, wenn man es in Filmform macht, weil man die falsche (Wahl) trifft und die Kraft des Liedes verliert.
Außerdem wollte Chu als Fan der Originalproduktion nicht zu viele dieser wesentlichen „biblischen“ Momente verlieren. Wieder gibt er zu: „Manchmal dachte ich, es wäre die Bibel, und dann dachten wir: ‚Eigentlich ist das egal.‘ Lassen wir uns von dem leiten, was wir gerade hier fühlen.
