Kritik: Es ist „Das Ende“, aber tief im Inneren der Erde singt eine behütete Familie weiterhin verleugnend

„The End“, von Regisseur Joshua Oppenheimer („Der Akt des Tötens“ „Der Blick der Stille“), ist eine düstere Musikkomödie über die vielleicht einzigen sechs Menschen, die es noch auf der Erde gibt: einen Ölmann und seine Vorzeigefrau (Michael Shannon und Tilda Swinton), ihren im Bunker geborenen erwachsenen Sohn (George MacKay) und die drei Assistenten (Bronagh Gallagher, Tim McInnerny, Lennie James) in diese unterirdische Arche eingeladen.

Draußen ist etwas Schreckliches. Wir hören Anspielungen auf eine blutrote Sonne, ein vergiftetes Meer und Bussarde. Aber dieses Heiligtum im Salzbergwerk hat Wände, die mit Kunstwerken geschmückt sind, und einen gedeckten Tisch für Wein. Und Sekt. Diese Überlebenden lebten mehr als 20 Jahre lang im Leid. Dennoch können sie nicht atmen.

Nicht wörtlich. Die Schauspieler haben die Lungenkapazität für mehr als zwei Stunden Singen und Lieder Oppenheimer schrieb den Text für und der Komponist Joshua Schmidt, der die Komposition komponierte, sind absolute Hingucker, gespickt mit bescheidenem Charme. Wenn eine Stimme bricht, bricht sie. Emotionen stehen im Mittelpunkt, unterstützt von eindringlichen Violinen und Hörnern sowie raffinierten Melodien, die eine Oktave ansteigen und überraschende Töne treffen.

Aber es gibt hier nicht genug Luft, damit jeder eine Persönlichkeit haben kann. Die Charaktere haben alle strenge Manierismen, als würden sie Schaufensterpuppen aus alten Filmstreifen aus Luftschutzbunkern imitieren. Im Eröffnungslied betreten die Leute einer nach dem anderen das Wohnzimmer, lässig eine Tasse Kaffee in der Hand, und als sie bemerken, dass die anderen bereits herumsummen Ein weiterer perfekter Morgen, sie machen mit, als ob sie höflich wären. „Wir kämpfen gemeinsam in der Dunkelheit / Unsere Zukunft ist hell“, harmonieren sie und halten dabei den Rücken gerade wie ein Kirchenchor.

Die Ironie liegt auf der Hand, und für die erste Stunde ist es soweit. Der selbstbewusste Tycoon, die oberflächliche Ehefrau, das liebevolle Kind, das so zurückhaltend aufgewachsen ist, dass es Kanarienlieder in ein Krebsbecken pfeift und versucht, einem Fisch Tricks beizubringen. Sie sind keine eigenständigen Charaktere – sie verdienen nicht einmal Namen – sie sind nur die Klischees, die wir beim Abendessen auf der Sohle von Dover erwarten würden, wenn wir alle tot sind. (Außerdem verdienen die Arbeiter nicht viel Aufmerksamkeit.) Oppenheimer und sein Co-Autor Rasmus Heisterberg haben jedem Familienmitglied einen Fehler zugefügt, über den sie so unablässig singen, dass die Laufzeit des Films um ein Drittel verkürzt werden konnte. Wir verstehen, dass das Leben in den Bunkern luftlos ist. Dieses Haus ist so grau und kalt, dass etwas kaputt gehen könnte.

Im steifen und langweiligen ersten Teil des Films entdeckt die Familie einen jungen Fremden, gespielt von Moses Ingram, der die Apokalypse lange genug überstanden hat, um die Quelle ihres Rauchs aufzuspüren. Wenn Sie das für unplausibel halten, warten Sie, bis Sie sehen, wie dieser vermutlich benachteiligte Flüchtling – ein Mädchen, das noch nie zuvor Schuhe getragen hat – nicht nur mit TikTok trainierte Optionen zu den Rechten der Arbeiterklasse präsentiert, sondern auch gegenüber diesen opulenten Ausgrabungen unempfindlich zu sein scheint.

Ingram und MacKay sind am Anfang die Art von Paar, die man nie abgeben würde, auch wenn sie tatsächlich die letzten lebenden fruchtbaren Junggesellen sein könnten. Aber sie mochten sich genug, um ihr eigenes Duett zu singen und mit ausgestreckten Armen durch das Salzbergwerk zu rennen. (Die Choreografen Sam Pinkleton und Ani Taj entscheiden sich klugerweise für freie Bewegung statt für Präzision.) Schließlich nimmt der Film seinen Lauf und wird zu etwas Schönem.

Oppenheimer sucht nach etwas, das den Kern dessen ausmacht, was ein Musical ausmacht. Harmonisieren bedeutet Einigkeit. Es ist eine öffentliche Demonstration der Solidarität – ein Pakt, um die gleichen Illusionen zu wiederholen. Hier singen diese Charaktere erst dann ihre Wahrheit, wenn sie sich von sich selbst trennen. Selbst dann waren sie so von Lügen erstickt, dass sie nicht immer die richtigen Worte fanden. In einer Nummer posiert Swinton, deren glänzende Augen die Risse in ihrem High-Fashion-Furnier zeigen, in einem durchsichtigen Regenmantel, während sie raue, heulende Geräusche meckert, die sich mit den verzweifelten Streichern vermischen. Was den naiven Sohn betrifft, den MacKay mit apfelhirniger Frühreife spielt, drückt er sich während seines verrücktesten Solos in den Schritt und sagt: „Nyah, nyah!“

Lügen sind für Oppenheimer das, was für Léonci das Skelett war. Er ist entschlossen zu verstehen, wie sie funktionieren, wie sie sich entwickeln und verbiegen und wie sie letztendlich steuern, wie sich ein Mensch durch das Leben bewegt. Als Shannons Patriarch darauf beharrt, dass „Ölbohrungen nur ein Vorwand waren, um Windparks zu bauen, das Wasser zu reinigen und Schimpansen zu retten“, schreibt er die Geschichte für ein Publikum, das nur aus ihm besteht, um – und zwar so, wie er möchte, dass sein Sohn ihn wahrnimmt. Das Ausmaß der Zerstörung, die er verursachte, ist vage und unbeschreiblich. Wir wissen, dass es Unruhen gab, weil er darauf besteht, dass es keine gab.

Angesichts der Tatsache, dass unser Schauplatz das Ende der Welt und alles ist, können wir davon ausgehen, dass sein Tribut den von Oppenheimers bahnbrechendem Dokumentarfilm „The Act of Killing“ aus dem Jahr 2012 übersteigt, in dem die ehemaligen Soldaten einer indonesischen Todesschwadron ihre vergangenen Massaker zur Verstärkung nachstellten ihr Glaube, dass sie die Helden waren. Dieser kraftvolle Film unterstützte unseren Wunsch, Täter zu bestrafen. Aber wenn Shannons Mogul für fossile Brennstoffe bestreitet, dass der Rest der Menschheit auch Autos fährt, dann hat er recht.

Vielleicht aus einem gemeinsamen Schuldgefühl heraus sehnt sich Oppenheimer danach, diesen Sündern eine Chance zu geben, für ihre Fehler zu büßen. Alleine betteln sie um Vergebung, etwa als Shannon mit einem ausgestopften Vogel in der Hand auf einen Salzhaufen klettert, als würde er sich für die Heldin von „The Sound of Music“ halten. Anstatt seine Charaktere für immer zu verurteilen, gibt „The End“ diesen Plastikmenschen die Wahl, ihre Menschlichkeit zurückzugewinnen. Es ist was sich als Folter herausstellt.

Dies ist ein Musical, das alberne Unvollkommenheiten schätzt, eine Szene, in der McInnerny einen lustigen kleinen Stepptanz aufführt, oder die Freude am Kichern von Shannons Hyäne. Oppenheimer befreit sein Drehbuch von der Verantwortung, zu erklären, wie dieses apokalyptische Herrenhaus funktioniert. Lagerung von Lebensmitteln, Müllentsorgung, all das spielt keine Rolle, und den Charakteren ist alles, was außerhalb ihrer Höhle passiert, völlig gleichgültig. Stattdessen liegt der Fokus ausschließlich auf den Mikroschwankungen in der Stimmung der Menschen, die für solch ausgefeilte Charaktere so dramatisch sind wie eine neue Welle in einem Steingarten.

Nur Ingrams Eindringling kann sowohl glücklich als auch traurig sein. Das Mädchen kann ihre Gefühle nicht isolieren und das erschüttert diesen Bunker in seinen Grundfesten. Der Film um sie herum basiert selbst auf einer Bruchlinie von Widersprüchen – er ist sowohl lauwarm als auch eindringlich, ein Stück dekadenten Milquetoast. Aber am Ende denkt man über die Frage nach, die die Charaktere nie stellen oder singen wollen: Was ist der Unterschied zwischen Leben und Leben?