Kritik: Angelina Jolie gleitet wie ein Eisberg durch „Maria“, aber ein kalter Callas reicht nicht aus

Maria Callas erlangte Berühmtheit als Stimme von Tosca, Medea und Carmen, den ewig zum Scheitern verurteilten Heldinnen der Oper. Wenn die Oper in einem Jahrhundert immer noch das Publikum anspricht, wird sie vielleicht Callas singen, einen Kämpfer, der die Besetzung Griechenlands durch die Nazis, den Aufruhr an der Mailänder Scala, die Schikanen der Medien auf mehreren Kontinenten und eine demütigende öffentliche Angelegenheit überlebte, nur um dadurch behindert zu werden . eigene Bewältigungsstrategien: Beruhigungsmittel und Fasten.

„Maria“ mit Angelina Jolie in der Hauptrolle ist die Regisseurin Pablo LarrainDer jüngste Versuch, einen eigenen Kanon der Tragödien des 20. Jahrhunderts aufzubauen. Seine früheren Melodramen „Jackie“ Und „Spencer“ waren Fabeln über zwei schmerzlich selbstbewusste Berühmtheiten an ihrem Tiefpunkt: Larraín warf einen Blick hinter die Fassaden von Jacqueline Kennedy und Prinzessin Diana, weniger um sie zu vermenschlichen, sondern um ihre Wunden bloßzulegen. Callas war jedoch für seine Wutanfälle berüchtigt, weshalb Larraín sich pervers und enttäuschend dafür entschied, sein herrisches Auftreten zu respektieren. Wenn sie die große Diva ist, mit der er zusammenarbeitet, lässt Larraín sie gewinnen.

Hier ist Callas am Ende seines Lebens. Ihre Leiche ist das Erste, was wir auf der Leinwand sehen, obwohl Kameramann Edward Lachman einen so umwerfenden Trick hat, Kronleuchter in das Bild einzufügen, dass er eine Minute braucht, um ihren Körper zu erkennen. In den folgenden Rückblenden versucht Callas, eine Lebererkrankung schwülstig abzutun, als wäre sie verdorbener Wein. Sie verbringt den größten Teil des Films damit, Drogen über Quaaludes zu nehmen, die in den 1970er Jahren in Paris unter der Marke Mandrax verkauft wurden. Drehbuchautor Steven Knight lässt sie sogar mit einer Fantasiefigur namens Mandrax spazieren gehen (Kodi Smit-McPhee), eine Fernsehjournalistin, deren Existenz sie halluzinierte, um sich wichtig zu fühlen. Mandrax beginnt mit seinen Softball-Fragen. Sie zerquetscht sie.

Wenn Sie alte Interviews mit Callas gesehen haben, wissen Sie, dass echte Journalisten dazu neigten, ihr gegenüber unhöflich zu sein. Zuerst fragten sie Callas, ob sie ein Monster sei. Dann beschuldigten sie ihn, neun Jahre mit Aristoteles Onassis verbracht zu haben, nur um dann für die zukünftige Jackie O. entlassen zu werden. Sie mussten die Göttin stechen, um zu sehen, ob sie blutete.

Callas begegnete diesen Inquisitionen schon früh mit Humor. Sie wurde beschuldigt, einen Regisseur mit einer Flasche Cognac beworfen zu haben, und antwortete: „Ich wünschte, ich hätte das getan.“ Für die Flasche wäre es schade. Als Callas älter wurde, wurde sie steifer, und das ist die Version, die wir hier betrachten. Majestätisch, zurückhaltend und stur spielt Jolie Callas als einsame Fünfzigjährige, die Liebe, Ruhm, Freude und Musik ablehnt und nicht kämpfen will. Das schwierig, sie wiederherzustellen. Sein Charakterbogen ist nur eine Blaupause; Von Szene zu Szene weiß man nie, ob sie schauspielern wird. Callas möchte angebetet werden, aber nicht bekannt werden. Ihre erschöpften Gouvernanten Ferruccio (Pierfrancesco Favino) und Bruna (Alba Rohrwacher) sprechen mit jedem stummen, ängstlichen Blick Bände, und als sie zu persönlich mit ihr werden, befiehlt Callas ihnen, zur Strafe das Klavier zu bewegen.

Larraín versucht halbherzig, Callas zu einer feministischen Märtyrerin zu machen, indem er auf möglichst indirekte Weise behauptet, sie sei gezwungen worden, ihren Körper bei Soldaten gegen Geld und Essen einzutauschen. Biografische Aspekte werden schamlos ignoriert, einschließlich ihrer Ehe mit einem Mann, der nicht einmal einen Namen verdient, bevor sie für Onassis (Haluk Bilginer) abgeladen wird. Um die Orientierungslosigkeit noch zu verstärken, sieht die junge Callas (Aggelina Papadopoulou) überhaupt nicht wie Jolie aus – nicht ihre Lippen, ihre Augen, ihre Nase, ihr Kiefer, ihre Figur, nichts. Doch die Wahl der Besetzung verdeutlicht, wie sich Callas in den 1950er-Jahren veränderte, indem sie ein Drittel ihrer Körpermasse verlor, um sich von einer zaftigen Sopranistin im Klischee in eine High-Fashion-Sylphe zu verwandeln (und dabei ein wenig von ihrer Schlagkraft opferte).

Callas könnte sich in einen Umhang hüllen und das Publikum zwingen, sich auf sie zu konzentrieren. Seine Stille war magnetisch. Alle Emotionen strömten in seine Augen und in seine Kehle. Jolie absolvierte eine siebenmonatige Opernausbildung, um sich auf die Rolle vorzubereiten, und sang laut Larraín selbst am Set. Was wir hören, ist seine Stimme gemischt mit der tatsächlichen Stimme in Konzentrationen von 1 % bis 70 % – letzteres, nehme ich an, in den Szenen, in denen der pensionierte Callas seine eigene Stimmstärke testet. In meinen Ohren klingt Jolie fantastisch, die Art von Stimme, die sie in einem Karaoke-Abend umhauen würde. Aber Callas Peak trifft die Sinne wie ein Blitz. Larraín versucht, diese Kraft in seiner ersten Nahaufnahme von Jolie einzufangen, die mit nackten Schultern in kräftigem Schwarzweiß in die Kamera singt. Aber die Strenge der Aufnahme wirkt dem entgegen und lässt uns zu viel Zeit, um zu bemerken, dass sich Jolies Kehle kaum zu bewegen scheint, und um uns zu fragen, ob ihre Augen nicht leidenschaftlicher sein sollten.

Flammende Leidenschaft war einst Jolies einziges Ding. Ich könnte jetzt meine Augen schließen und das böse Lächeln sehen, das sie 1999 in „Girl, Interrupted“ zum Star machte, aber nachdem sie die Boulevardzeitungen ertragen musste, wurde auch sie zu streng kontrolliert. Hier gibt es nur eine Sekunde in einer Montage, in der Jolie während einer Aufführung von Medea einen schwelenden Blick zuwirft. Der Moment ist so elektrisierend, dass man sich wünschte, der ganze Film hätte diesen Reiz. Erst im Abspann sehen wir Callas wieder so lebendig, und dann sieht man Stockaufnahmen von der echten Figur, die ein schelmisches Lächeln aufblitzen lässt.

„Ein Song sollte niemals perfekt sein“, betont Callas. Ich stimme zu. Einige Kritiker nannten ihren Gesang schlecht. Nicht im sachlichen Sinne, denn das wäre verrückt, sondern vielmehr so, wie Fashionistas wissen, wie man ein auffälliges Accessoire hinzufügt. Der Schock macht die Sache interessant. Jolie nutzt jedoch Perfektion als Rüstung, und so sehr ihre Callas auch darauf bestehen, dass die Oper berauschend sei, spielt es keine Rolle, wie berauscht ihre Figur tatsächlich ist. Ostsein Auftritt ist eine zurückhaltende Interpretation des Wahnsinns.

Larraín gönnt sich ab und zu einen visuellen Nervenkitzel, wie eine Menschenmenge von Parisern sagt, die sich plötzlich im Chor vereint. Ansonsten sind wir so sehr in Callas‘ Illusionen versunken, dass alles flach erscheint. „Was real ist und was nicht, ist meine Sache“, erklärt sie, nachdem sie die Welt ihrem Willen unterworfen hat.

Seltsamerweise verließ ich das Theater, nachdem ich von einer riesigen Melodie nach der anderen in Ohnmacht gefallen war, und konzentrierte mich auf eine von Larraíns kleineren Sounddesign-Entscheidungen. Dies geschieht, als Callas, der selbst im Bademantel strahlend aussieht, in die Küche schlüpft, um Bruna etwas vorzusingen, während der arme Schatz ihm ein Omelett zubereitet. Das Solo geht immer weiter, lange genug, um deutlich zu machen, dass Callas zwar Fans vor der Metropolitan Opera hatte, aber sie könnte auch ein wenig langweilig sein. Und dann, mitten im Lied, fügt Larraín ein kleines Geräusch hinzu – das Geräusch des Spatels, der auf die Pfanne schlägt – um uns wissen zu lassen, dass selbst in der streng geschützten Blase der Primadonna ihr Ego nicht immer einen Teller Eier übertrifft.

Ich wünschte, Larraín hätte Callas auf eine größere Größe reduziert. Er ist zu sehr fürsorglich gegenüber seinen Künstlerkollegen, um die Wut zu entfesseln, die seine Kunst antreibt. Callas könnte drei Oktaven singen, aber im Film kommt es meist auf eine Note an.