David Cronenberg ist mehr als ein Meister des Body-Horrors, sagt der Autor

David Cronenberg begeistert und versetzt das Publikum seit über 50 Jahren in Angst und Schrecken. Aber wie die Autorin Violet Lucca in „David Cronenberg: Clinical Trials“ bezeugt, ist der kanadische Filmemacher, der weithin als Meister des Horrors gilt, auch so etwas wie ein missverstandener Autor, der mehr im Kopf hat als nur tiefgreifende Schocks für das System. Von seinen frühen Low-Budget-Horrorfilmen „Shivers“ und „Rabid“ über die dunkle und verdrehte Wissenschaft von „Videodrome“ und „Scanners“ bis hin zu den entwaffnenden, zärtlichen und brutalen Tragödien „Dead Ringers“ und „Crash“, der Regisseur nutzte sein hyperbolisches visuelles Vokabular als Vehikel für differenzierte soziologische und psychologische Untersuchungen.

Mit seinem reich bebilderten Buch liefert uns Lucca die bisher gründlichste kritische Analyse der Arbeit des Regisseurs und definiert Cronenbergs Karriere als etwas mehr als das Werk eines Meisters des „Body Horror“, einem Begriff, den sie als reduktiv und abweisend empfindet. Anstatt auf der Suche nach Nervenkitzel zu sein, ortet Lucca in Cronenbergs Werk den Geist eines Moralisten und Gesellschaftskritikers mit einer Vorliebe für Blut und schreibt, dass seine Filme über verschiedene Ansatzpunkte betrachtet werden können: als warnende Geschichten über Demagogie im Zeitalter der Wissenschaft Wissenschaft. Fortschritt oder die Selbstauflösung angesichts einer Welt, die durch Geld und Verlangen auf den Kopf gestellt wird.

Lucca, eine ehemalige digitale Redakteurin von Harper’s, die für die New York Times und Sight and Sound geschrieben hat, fühlte sich zum ersten Mal von der Arbeit der Regisseurin angezogen, als sie an der University of Iowa studierte, „weil ihre Arbeit die gleiche Offenheit, Mehrdeutigkeit und Wildheit hatte“ wie die Sie studierte damals das europäische Arthouse-Kino der Mitte des Jahrhunderts.

In ihrer Einleitung geht sie auf das „Wunder und den Schrecken“ ein, den die Charaktere in ihren Filmen ausdrücken. „Viele Filme Cronenbergs kommen mir zutiefst traurig vor“, sagt sie. „Es gibt diese immense Einsamkeit, die ich wirklich berührend finde.“

Als Beispiel für diese seltsame Melancholie nennt Lucca einen Film: Cronenbergs Adaption von JG Ballards Roman „Crash“ aus dem Jahr 1996, in dem ein Filmproduzent, der einen schrecklichen Unfall erleidet, in eine Gruppe unfallbegeisterter Autofetischisten gerät. . Es ist Cronenbergs einfühlsamer, fast zärtlicher Umgang mit dem Material, der den Film humanisiert; Sein klanglicher Ansatz ist eher erlösend als ausbeuterischer Grindhouse.

„Sex und Gewalt sind seit Beginn seiner Karriere untrennbar miteinander verbunden, sei es „Stereo“, eine 65-minütige Schwarz-Weiß-Pseudodokumentation aus dem Jahr 1969, oder „Crash“. „Ja, sein Einsatz von Sex und Gewalt sind Provokationen. Aber es ist auch eine Möglichkeit, ehrlicher darüber zu sein, was wir sind: Fleisch, das blutet, Fleisch, das begehrt. Meiner Meinung nach war der Einsatz von Sex revolutionärer, vor allem weil er im Sinne der MPAA als größtes Tabu gilt.

In der ersten Hälfte des Buches präsentiert Lucca einige von Cronenbergs Filmen anhand einer Karte des Unterbewusstseins, so dass „Dead Ringers“ aus dem Jahr 1988, die Geschichte der tödlichen Co-Abhängigkeit zwischen Zwillingen, zu einem Beispiel für Carl Jung’s Theorie über die „Anima“ wird. und „Animus“ wollen die Zwillinge ihre männlichen und weiblichen Seiten in Einklang bringen, und „The Fly“ aus dem Jahr 1986 wird zu einer Spekulation darüber, ob Krankheit die Identität eines Menschen verändern kann. Lucca braucht nicht, dass du ihr zustimmst: Sie möchte nur, dass du ihr zuhörst.

„Diese Filme sind so reich an Subtexten, dass man sich ihnen auf viele Arten nähern kann“, erklärt Lucca. „Ich wollte die oberflächliche Verrücktheit eines Films wie beispielsweise ‚Naked Lunch‘ überwinden und verstehen, was sie uns sonst noch sagen wollten.“

Für Lucca sind Cronenbergs charakteristische anatomische Störungen – all diese schleimigen, mutierenden Körperorgane, Eingeweide und Eingeweide, die seinen Figuren wie enge Spielzeuge entkommen – die Art und Weise des Regisseurs, die Ängste einer Figur zum Ausdruck zu bringen: Der Körper im Verfall als Metapher für spirituelles Ungleichgewicht. „Cronenberg nimmt diese Bedenken, die wir alle haben, und unterzieht sie dieser fantastischen Prüfung, damit wir uns selbst auf eine neue Art und Weise sehen können“, erklärt Lucca.

Kritiker neigen dazu, eine strenge Grenze zwischen der knalligen, grellen Natur von Cronenbergs frühen Low-Budget-Filmen und den raffinierteren, weniger blutigen psychologischen Meditationen zu ziehen, die mit „Eine Geschichte der Gewalt“ aus dem Jahr 2005 beginnen. Lucca lehnt diese Kategorisierung ab und sieht dieselben Bedenken hinsichtlich der Das Geist-Körper-Problem und das Identitätsrätsel im Laufe von Cronenbergs Karriere. „Existenz“ aus dem Jahr 1999 zum Beispiel ist ein prophetischer Film über unsere schnell voranschreitende technologische Singularität, in dem es um ein Videospiel geht, das direkt in die Wirbelsäule eindringt. Es gibt auch den klassischen Cronenberg-Archetyp: den Tech-Guru, der wissenschaftlichen Fortschritt als Rettung der Menschheit verkauft, der aber in Wirklichkeit von seinem eigenen gierigen Messianismus verzehrt wird. In diesem Sinne sind Cronenbergs Filme unheimlich vorausschauende Allegorien unseres aktuellen Techversums und der Missionierung von Profiteuren wie Sam Altman und Elon Musk.

Beginnend mit seinen Filmschulprojekten in den frühen 1970er Jahren begann David Cronenberg mit Projekten, die harte Gesellschaftskritik in verstörende Erzählungen integrierten. Seine radikale Vision entstand aus einer aufstrebenden kanadischen Filmindustrie, die Anfang der 1970er Jahre noch versuchte, auf dem Weltmarkt Fuß zu fassen. Cronenbergs frühe Bemühungen wurden von privaten Investoren finanziert, die großzügige staatliche Subventionen und Steuererleichterungen nutzen wollten: risikoarmes Kapital ermöglichte Kreativität mit hohem Risiko. Im Gegenzug wurde Cronenberg zum Star und hisste die Flagge des kanadischen Kinos in Amerika und darüber hinaus.

Ungefähr zu dieser Zeit begann Cronenberg auch, sein Team aus langjährigen Mitarbeitern zusammenzustellen: dem Komponisten Howard Shore, der Produktionsdesignerin Carol Spier und einem kleinen Ensemble kanadischer Schauspieler, von denen viele an mehreren von Cronenbergs Filmen mitwirkten. „Von Menschen umgeben zu sein, denen er vertrauen konnte und die seine Vision verstanden, beeinflusste definitiv die Art und Weise, wie Cronenberg seine Filme drehte“, sagt Lucca. „Sie alle haben eine Abkürzung entwickelt, die es ihnen ermöglicht, bei einem knappen Produktionsbudget keine Tage zu verschwenden. Aber auch im Erscheinungsbild der Filme gibt es eine Kontinuität. Carol Spier ist für einen Großteil der Haptik von Cronenbergs visueller Palette verantwortlich.

Wie Stephen King, ein weiterer Künstler, der Horror-Tropen nutzt, um tiefere Wahrheiten über die menschliche Verfassung zu erforschen, wird Cronenberg unterschätzt, weil er oft innerhalb der Grenzen des Genre-Geschichtenerzählens arbeitete. Luccas Buch entlarvt dieses Missverständnis. King ist ein literarischer Riese, der noch lange gelesen wird, nachdem er mit dem Schreiben aufgehört hat, und wenn es gerechtfertigt ist, werden auch Cronenbergs Filme Bestand haben. „Die Tatsache, dass einige Kritiker und Zuschauer weiterhin auf Cronenbergs Filme herabblicken, ist nur ein Beweis für ihre Macht und Notwendigkeit.“